Как дизайнерам искать вдохновение в искусстве
В профессиональной среде принято проводить четкую грань между искусством и профессиями, связанными с креативом. Чаще всего искусство не ставит перед собой конкретных технических задач и является формой самовыражения художника. Дизайн всегда ориентирован на заказчика и утилитарную пользу.
Тем не менее, именно из свободного поиска смыслов рождаются идеи, которые позже становятся промышленными стандартами.
К примеру, механизм трансформации искусства в дизайн наглядно прослеживается в работах российского авангардиста Владимира Татлина. Его эксперименты по выходу из плоскости холста в объем – абстрактные композиции из случайных предметов и обломков фигур – на момент создания не имели практического назначения. Однако поиск новых смыслов в трехмерном пространстве во многом предвосхитил появление современных форм мебели и светильников необычной геометрии.
Другой пример влияния художественного стиля на визуальную культуру – творчество Роя Лихтенштейна, одного из основоположников поп–арта. Его знаменитая техника «точек», изначально создававшаяся вручную на холстах, стала популярным приемом в графическом дизайне и иллюстрации. Заполнение больших объемов равномерным паттерном превратилось в узнаваемый визуальный код, который до сих пор активно используется в рекламе и брендинге. Например этот прием прямо сейчас используется в коллаборации Audemars Piguet x Swatch в коллекции Royal Pop.
В основе продуктивности любого дизайнера лежит концепция насмотренности. Процесс создания нового – это всегда комбинация накопленного багажа образов, звуков, шрифтов и иммерсивного опыта. Чем богаче этот визуальный архив, тем более неожиданные и точные решения выдает мозг при решении текущих задач.
Особое место в этом процессе занимает наследие русского авангарда 1920–х годов. Работы Александра Родченко или Василия Кандинского сформировали эстетический фундамент, который продолжает влиять на современные проекты. Нередко идеи, реализованные сегодня, находят свои корни в полотнах начала прошлого века. Глубокая переработка классического наследия позволяет дизайнерам создавать уникальный продукт, где опыт прошлого соединяется с современными требованиями.
Каким образом можно развить креативное мышление
Развитие креативного мышления – системная работа с информацией и методологиями. Можно выделить несколько ключевых стратегий, которые позволяют специалистам визуальных индустрий предлагать нестандартные решения и избегать клише.
К примеру, начинающие креаторы часто ищут идеи только внутри собственной ниши: веб–дизайнеры изучают чужие сайты, а архитекторы – постройки коллег. Но по–настоящему глубокие решения рождаются на стыке индустрий.
Чтобы создать уникальный продукт, полезнее обратиться к опыту современного плаката, монументальной скульптуры или дизайна одежды. Перенос приемов из одной сферы в другую – использование принципов кроя ткани в графическом интерфейсе – позволяет привнести в работу новизну, недоступную при стандартном подходе.
Для массового потребителя креатив – это то, чего он не видел ранее, или то, что вызывает сильную эмоцию. В профессиональной среде критерии жестче: решение, которое кажется революционным новичку, может быть знакомо опытному эксперту. Именно поэтому глубокое изучение истории дизайна и актуальных трендов является обязательным условием для профессионального роста.
Вопреки распространенному предубеждению, копирование чужих работ на начальном этапе – необходимая часть образовательного процесса. В свое время Йоджи Ямамото, создатель бренда одежды Y–3, говорил, что для поиска себя необходимо копировать. Разбирая проект на составляющие и анализируя логику автора, начинающий дизайнер учится технике и композиции. Важно понимать, что это не плагиат, а процесс тренировки, познания. Пройдя через копирование десятков разных мастеров, специалист начинает комбинировать их приемы, добавлять к ним собственный бэкграунд и опыт.
Процесс формирования авторского стиля можно сравнить с работой современного диджея. Проводя аналогию, дизайнер берет существующие ритмы и создает из них уникальный микс.
О ценности современного искусства
Дискуссии о ценности современного искусства часто сводятся к противопоставлению его классическим канонам Ренессанса или импрессионизма. Распространено мнение, что эстетический предел живописи был достигнут в портретах и пейзажах прошлых веков, а современные формы – инсталляции или абстракции – лишены мастерства.
Главное заблуждение массового зрителя при столкновении с современными арт–объектами заключается в попытке оценить сложность их создания. Фраза «я тоже так могу», которую можно произнести перед условным красным холстом, игнорирует саму суть концептуализма. В актуальном искусстве объект часто не является самоценным, а служит проводником идеи.
Глубина произведения заключается в мастерстве выражения концепции через цвет, форму или пространство. Задача искусства в данном случае – не украшать интерьер, а производить впечатление, вызывать эмоциональный отклик, будь то восторг или резкое неприятие.
Особый интерес в современном контексте представляют направления, работающие на стыке традиций и технологий, например, кинетическая скульптура. Ярким примером подобного синтеза является работа китайских художников Сунь Юаня и Пэн Юй Can’t Help Myself («Не могу себе помочь») – промышленный робот, запрограммированный бесконечно убирать вокруг себя вытекающую красную жидкость, напоминающую кровь. Здесь механическое действие одушевляется, превращается в метафору человеческого существования, борьбы и неизбежности. Ценность представляет не сложность манипулятора, а созданный им образ.
Современное искусство стремится к максимальному сближению художника и аудитории. Известным примером стал перформанс Марины Абрамович «В присутствии художника» (2010 г.). В течение нескольких месяцев художница неподвижно сидела в зале музея, глядя в глаза посетителям. Искусством является сам процесс коммуникации, время и эмоциональное напряжение, возникающее между людьми. Это доказывает, что для создания глубокого высказывания не всегда нужны кисти и краски, иногда достаточно присутствия и взгляда.
Попытка понять актуальное искусство – способ расширить границы собственного восприятия. Важно не ограничиваться поиском того, что нравится, а изучать авторов, вызывающих любые эмоции. Формирование личного отношения к разным течениям помогает развивать критическое мышление и насмотренность, что крайне важно для любого творческого процесса.
